Se este filme adicionasse um pouco de minimalismo auto-imposto, poderia ter muito mais sucesso como estudo de personagem.
Como “Between the World and Me” de Kamilah Forbes, “Malcolm & Marie” de Sam Levinson e Doug Liman (Doug Liman) Assim como “Locked Down” de Natalie Morales, “Language Class” de Natalie Morales é obviamente um produto de nosso era de bloqueio e sua premissa é particularmente adequada às suas limitações técnicas.Mark Duplas (Marc Duplas) (escreveu o roteiro com Morales) interpreta Adam, um novo aluno à distância de Cariño (Morales), um professor de espanhol na Costa Rica.Seu rico marido, Will (Desean Terry), se inscreveu no curso como presente de aniversário.Rapidamente estabeleceu uma ligação com Cariño, que se fortaleceu após uma tragédia inesperada.
A ação do filme é quase inteiramente realizada por meio de uma série de chats de webcam, geralmente alternando entre as telas dos laptops da cena, o que prova que a forma fascinante de atuar supera principalmente o constrangimento inicial.Além disso, embora a separação dos atores limite o número de reações químicas que eles podem criar, ocasionalmente acrescenta uma sensação de originalidade que pode faltar nos filmes tradicionais.Quando os personagens olham diretamente para a câmera, eles focam com mais clareza nos momentos frágeis.Focar em.
As aulas de línguas também utilizam as suas perspectivas limitadas para expandir os seus conflitos centrais de formas interessantes.Depois que Adam percebeu que sua mansão contrastava fortemente com o ambiente mais humilde de Cariño, ele gradualmente admitiu que tinha um sentimento de culpa por seus privilégios em relação aos dela, e suas videochamadas forneciam informações limitadas.É uma maneira eficaz de explicar com eficácia o quanto você pode fazer.Entenda a vida um do outro.
Assim como “Paddleton” de Alex Lehmann (Dupras também coestrelou), “Lição de Linguagem” provou seu forte interesse pelo romance platônico.É um dos acordos de relacionamento menos conhecidos na indústria cinematográfica.Ambos os filmes exalam um calor discreto, mas os personagens aqui não são tão idiossincráticos, o que significa que eles podem superar o limite básico de semelhança, mas só podem levar a história até certo ponto.Embora haja indícios ocasionais de que Cariño possa estar atuando para a câmera, e Adam não tenha permissão para participar de todos os detalhes de sua vida fora do curso, o visor do filme impede que essa ideia seja explorada de qualquer forma significativa.Na ausência de quaisquer momentos pessoais ou interações no mundo real, os diálogos podem se tornar excessivamente ilustrativos, pois são forçados a assumir sozinhos a maior parte da narrativa pesada.
Durante a chamada anterior apenas de voz, ela acidentalmente ligou a câmera e expôs brevemente Adam com o rosto machucado e olhos escuros.Envergonhado, Carinho recuou repentinamente e estabeleceu com ele um professor mais profissional.Relacionamentos e desejo recente de manter a vida privada.No final, os dois foram forçados a enfrentar as diferenças um do outro, e alguns argumentos eram demasiado claros sobre as inseguranças e estereótipos que ameaçavam a sua próspera amizade.Nos primeiros tempos, a tensão entre classe, raça e género por detrás deste intercâmbio intercultural foi subtilmente minimizada, por isso, quando a história toma um tratamento mais intuitivo do tema, é uma coisa vergonhosa.A revelação final da trama também pode ser demais.Demais.Se este filme adicionasse um pouco de minimalismo auto-imposto, poderia ter muito mais sucesso como estudo de personagem.
Atores: Natalie Morales (Natalie Morales), Mark Duplass (Mark Duplass), Disney Terry (Desean Terry) Diretor: Natalie Morales (Natalie Morales) Roteiro: Mark Diplas (Naslie Morales), Natalie Morales (Natalie Morales) Tempo de lançamento: 91 minutos Classificação: NR Ano: 2021
Os personagens deste filme estão cheios de medos paradoxais que só podem acontecer em sonhos.
“Fabian: Going the Dogs” de Dominik Graf (Fabian: Going the Dogs) começa com um bonde lento que desce as escadas até a linda estação de metrô de Berlim.Embora qualquer pessoa familiarizada com o material original do filme, como o romance “Os Fabianos: A História de um Moralista” de Erich Kästner, publicado em 1931, espere que esta história se passe em dois lugares da Alemanha.Entre a Segunda Guerra Mundial, mas agora é óbvio para nós, porque as pessoas na tela usam pólos e jeans, entre outras coisas.Porém, quando a câmera passar pela estação e subir até a escada oposta, o viajante vestirá as roupas do horário previsto.A câmara sobe as escadas e finalmente coloca-nos na zona crepuscular da República de Weimar – ou pelo menos quando Graf realiza conscientemente simulações incompletas dela.
Outros sinais indicam que, desde as ruas de betão negro até aos vislumbres particularmente óbvios de stolpersteine, estamos todos no momento, com pedras de tropeço de latão embutidas nos passeios para homenagear as vítimas do Holocausto.Tesla, de Michael Almereyda, lembrou que esta abordagem telescópica aos romances históricos enfatizava a nossa posição em relação aos eventos observados.No entanto, o método de Graff pode resistir a dispositivos de alienação excessivamente estimulantes, como o narrador que subestima as entradas do Google na ponta dos dedos.Além disso, a estética lúdica louca e severa usada pelos cineastas se ajusta ao seu tema, ou seja, a sociedade caótica da efêmera República de Weimar.A turbulência e a ansiedade generalizada da República de Weimar geraram pelo menos um pouco da arte e da vida em Berlim.Experimentos malucos, antes de serem sufocados pelo Estado alemão que caiu no fascismo.
Depois que a lenta e metódica lente de rastreamento se abre, Fabian exibe uma série de imagens, alternando rapidamente entre filme granulado de baixa especificação e vídeo digital desbotado.Fomos apresentados a Jakob Fabian (Tom Schilling), um chocado veterano formado em literatura e, em uma noite barulhenta, ele estava pronto para assumir o cargo de redator publicitário.Fabian vai para casa com uma mulher mais velha (Meret Becker), apenas para descobrir que precisa assinar um contrato com o marido para dormir com ela, podendo até ter direito a uma indenização.Cansado da mistura cínica de abandono de negócios e procedimentos oficiais, que serviu de base para sua transferência da vida noturna de Berlim, ele fugiu de volta para a noite.
Em todo o mundo, Fabian não consegue lidar com o espírito da época, e o abandono desesperado das relações humanas determina a trajetória de vida de todos que encontra.Um colega incompetente roubou sua ideia de campanhas publicitárias e, com isso, perdeu o emprego.Logo depois, ela conheceu e se apaixonou pela atriz Cornelia (Saskia Rosendahl) que conheceu, e esta última morava no prédio dele.Fabian foi forçado a aceitá-la como amante de um cineasta para conseguir uma posição segura no filme.
No geral, esta história sobre a incapacidade dos jovens de lidar emocionalmente com o comportamento sexual do seu amante é uma história desconhecida.Mas Graf conseguiu dar vida a essa ilusão mantendo-nos distantes de Fabian, com uma narração artificial e autoritária (alternando entre vozes masculinas e femininas).Embora, ou talvez porque fomos evacuados do casal, o namoro deles se tornou a única coisa no mundo que poderia criar um cachorro.Marcados pelo tipo de jovens estúpidos e interessantes, eles imediatamente se abriram, conspiraram para evitar o proprietário, os hippies em um lago nos arredores de Berlim, e realizaram espontaneamente danças folclóricas noturnas entre os fãs-sinceridade de Fabian e Cornelia Romance rompe a trágica ironia da narração dublada.
O nobre Albrecht Schuch, colega do projeto Fabiano, representa uma exceção ao sinistro ridículo da sociedade como um todo.Labude está muito ansioso com a tese de pós-doutorado.Ele também é um social-democrata ativo e um instigador dos princípios da racionalidade e da justiça.Com seus ideais, essa pessoa, assim como os passageiros que esperam na plataforma do trem no início do filme, parece calar-se por enquanto.Seus pensamentos não estão adaptados ao desenvolvimento dos tempos.Talvez seja por isso que Fabian parece estar mais desanimado.Sempre tenha a última palavra na conversa.A certa altura, quando Fabian estava apenas para observação e não para sua própria defesa, Labude perguntou: “Como isso ajuda?”O derrotista de Fabian respondeu: “Quem será ajudado?”Camada de sombras.
No final, tanto a agitação política socialista frívola de Labude como a atitude de escrita à distância de Fabian foram engolidas pelas tendências históricas.Embora o livro de Kästner tenha sido publicado menos de dois anos antes de os nazistas chegarem ao poder, ele transmitia a premonição de que a República de Weimar estava prestes a acabar, mas não entendíamos o que estava para acontecer, mas nós e o filme herdamos esses detalhes terríveis, como parte dos nazistas.história do mundo.Este livro satírico sombrio de Kästner faz as pessoas olharem para a sociedade em que vive seu autor.O filme utiliza o brilho de suas imagens, seu tempo e espaço caóticos e a lógica onírica dos quadrinhos grotescos, lembrando o pesadelo do passado.Seu personagem está repleto de uma espécie de medo contraditório, que só pode acontecer em sonhos – o medo diante do grande desastre é inevitável porque já aconteceu.
Atores: Tom Schilling, Saskia Rosendahl, Albrecht Schuch, Meret Becker, Michael Wittenborn (Michael Wittenborn), Petra Kalkutschke (Petra Kalkutschke), Almarscha Stadelmann (Almarscha Stadelmann), Anne Bennent (Anna Bennent), Eva Medusa Gun (Eva Medusa Gühne) Diretor: Dominique Graff Roteiro: Dominique Graff, Konstantin Ribb Tempo de lançamento: 178 minutos: NR Ano: 2021
Ao contrário de Malcom & Marie, a estreia na direção de longas-metragens de Daniel Brühl provou ser uma verdadeira auto-moldagem.
Ao lado está o papel de Daniel Brühl como ator no mercado cinematográfico global e o luxo que o acompanha, aliado a uma narrativa de retaliação reprimida que parece Sam Levinson na superfície (Sam Levinson) “Malcolm & Marie”.Mas ao manipular o filme para verificar os direitos do roteirista e do diretor na tela da agência, a estreia do diretor de longa-metragem de Bruhl provou ser uma verdadeira sátira do próprio elenco.Brühl não se entregará à falsa humildade de muitas sátiras de Hollywood;na verdade, “ao lado” é a sátira cruel desta forma de cumplicidade, em que estrelas de cinema, e até pessoas comuns, estão na política. Ao corrigir meu brometo, vivi uma vida que gostei, fechando os olhos para o ambiente circundante , especialmente os muitos quase-judeus que podiam pagar.Perceber de forma complicada a sobrevivência dos servidores das classes média e alta.
Bruhl interpreta o astro de cinema Daniel (Daniel), ele é semelhante a ele em todos os aspectos.Tal como Brühl, Daniel goza de privilégios em Colónia e fez progressos consideráveis no show business.No início de Next Door, Daniel estava se preparando para fazer um teste em seu luxuoso apartamento em Berlim para desempenhar um papel em um blockbuster ultrassecreto, que o lembrou de seu papel em Capitão América: Guerra Civil “No papel.Então, por um breve período, somos tentados a pensar que este filme será um fragmento ficcional improvisado da vida de Brühl, que provavelmente depende da grande audição até que os obstáculos apareçam.Daniel parou no bar indo para o aeroporto e foi hospedado por um Bruno comum (Peter Kus).Em total contraste, essas pessoas conduziram estudos dramáticos: Daniel vestia-se bem, fazia exercícios matinais e adotava hábitos alimentares sábios, enquanto Bruno era mais velho, desajeitado e aparentemente acostumado a comer.Um café da manhã mais rico e cerveja.Porém, os olhos de Bruno não são suaves, pois desde sua primeira aparição no filme, esse homem exalava sabedoria ácida e raiva.
Quando as pessoas lutam contra a vontade, o roteiro de Daniel Kehlmann mostra sutilmente a nossa lealdade.Daniel é um idiota humilde que sofre o menor golpe no filme.Certa vez, ele disse ao dono do bar que estava feliz por não tomar um café forte porque era amargo e poderia causar um ataque cardíaco.Este gesto é o seu pensamento humilde, quando as pessoas que realmente pertencem àquele bar podem não precisar pensar no conceito de humildade.Há também uma piada maliciosa, que a princípio é engraçada e depois se torna uma ameaça.Nesse caso, as pessoas (desde o dono do bar até seus torcedores) entram no entorno do bar sem a real atenção de Daniel, o que se manifesta de forma concisa: Ele estava cego para o proletariado até que este obrigou uma estimativa.
No entanto, Bruno definitivamente não é um herói da classe trabalhadora proposto para o consumo fácil de sermões ricos.O homem estava muito infeliz, dirigia com amargura e, à sua maneira, era tão qualificado quanto Daniel, como evidenciado pela maneira como se inseriu na manhã de Daniel, insistindo com o ator que seu filme era uma merda, e o insultou pessoalmente.Daniel disse a Bruno que suas opiniões eram irrelevantes porque pensávamos que tal declaração fazia parte da defesa de figuras públicas.
Esses dois personagens geralmente não são simpáticos, embora ambos sejam muito atraentes e relacionados entre si, e juntos exercem nosso ciúme e ressentimento em relação à elite social, o que torna “Next Door” uma qualidade ansiosa, podendo até ser especialmente assim. ., E a conversa entre Daniel e Bruno foi calma e agressiva apenas no sentido passivo.Nos primeiros tempos era óbvio que Daniel não sairia deste limiar, e talvez nem quisesse estar num nível subconsciente, porque os homens usam uns aos outros para expulsar os seus demónios culturais.Eles descobriram que o nojo um do outro é acompanhado.Nesse sentido, o filme lembra muitos thrillers de Hitchcock, especialmente “Estranho no Trem”, que também inclui um agente caótico chamado Bruno.
O roteiro provoca as várias explicações de Bruno para Daniel, cuja razão mais clara é o ressentimento de Bruno com a tensão alguns dias antes da reunificação da Alemanha.Bruno inicialmente afirmou simpatizar com a Stasi, dada a crise financeira na Alemanha Oriental em relação à Alemanha Ocidental, o fosso social entre a Stasi e Daniel e Bruno era paralelo.No entanto, esta ideia nunca foi examinada minuciosamente e na verdade existe como uma decoração de janela para a cena do rastreador.No entanto, Brühl quer respeitar a qualidade da vida quotidiana, especialmente a forma como os homens desfrutam do luxo na desilusão, e é confundido com o facto de ser demasiado cedo, e nunca se dedicou totalmente a aprofundar-se nos mecanismos do género.Imagine um estranho em um trem, sem liberar seu aparelho em êxtase.
Na segunda metade de Next Door, as pontas soltas e subutilizadas continuaram a se acumular, chegando eventualmente a um final conscientemente incompleto.O tipo de graça desprezível que essas pessoas receberam no final do filme os uniu em um ambiente desolado e os fez unir-se através de enormes barreiras sociais.Isto mostra um ponto de viragem e não uma conclusão, o que nos faz sentir melhor.Um filme de parceiro anormal que nunca se tornará realidade está pronto.Este mistério inexplicável é de facto consistente com o design do filme, reconhecendo a desigualdade, que muitas vezes afecta as nossas vidas, geralmente sem comentários ou catarse.No caso de “Next Door”, tal conclusão é mais válida teoricamente e parece ser uma estratégia de saída para cineastas que ainda não pensaram totalmente no final.
Atores: Daniel Brühl, Peter Kurth, Aenne Schwarz, Nils Doergelo, Rike Eckermann), Vicky Krieps (Vicky Krieps) Diretor: Daniel Brewer (roteirista): Daniel Kehlmann (Daniel Kehlmann) Tempo de lançamento: 94 minutos Classificação: NR Ano: 2021
Este filme sugere a fusão dos filmes Eco Doctor e Acid Western, e essa diferença entre os diferentes gêneros leva a uma misteriosa atmosfera de tensão.
“A Shape of Things Come”, de Lisa Malloy e Monaco (JP Sniadecki), sugere a fusão de documentários ecológicos e o desolado oeste ácido, e as diferenças entre esses gêneros causaram uma tensão misteriosa.Às vezes, Sundog, o recluso barbudo no centro do filme, é como um hippie divertido, bebendo cerveja, dançando em um bar local, lendo romances e se divertindo com vários animais em um ecossistema temporário de fazenda. Deserto de Sonora perto da fronteira mexicana.Em outros lugares, ele parecia ter dentes, apontou um rifle de alta potência para a torre de vigilância, patrulhou o carro da Patrulha da Fronteira com desprezo e também teve acessos de raiva.Você pode se encontrar dividido, seja assistindo ao filme para celebrar a autossuficiência de uma pessoa, nesta época em que somos profundamente dependentes do Grid, ou se preocupando por ele ser uma pessoa estranha e hipócrita que expressa sua insatisfação à sua maneira. de excepcionalismo social.Para Sundog, este é o seu caminho ou rodovia.
A forma do que está por vir está em grande parte imersa na vida diária de Sundog.Este filme lembra às pessoas o quão fascinantes são os contornos de vários processos quando os artistas têm a confiança necessária para observar o seu tema, mas não estão interessados (neste caso, desde a caça e abate de animais de Sundog até à colheita de sapos no meio da noite). .Deixe-os cumprir a narrativa prescrita.Esta disposição de abandonar a narrativa tradicional coincide com o fato de Sundog evitar a sociedade tradicional.A vida de Sundog parece ser livre de ruídos, desde a aspereza dos anúncios até o discurso político polarizado, sem exceção.Uma das cenas mais emocionantes do filme é que ele apenas toma banho em uma banheira ao ar livre, ouve sons naturais e desfruta de um momento de reflexão e conforto.Quando ele afundou na água, foi como se estivesse voltando para o útero.
Uma certa expectativa de violência, aliada à ambiguidade do ambiente criativo do filme, impediram que “A Forma das Coisas” se tornasse uma celebração suave e encantadora, vivendo a sua própria vida à sua maneira.A fotografia trêmula de Malloy e Sniadecki exala uma incrível textura neurótica, que lembra as pinturas de paisagens de Vincent van Gogh.Nas primeiras imagens, Sundog foi filmado obliquamente enquanto caminhava entre várias plantas, sugerindo pinceladas malucas e refletindo o espaço inquieto de Sundog.O filme também usa símbolos mais óbvios, como os planos de presságio do avião aéreo (o mensageiro da corrupção e da poluição no mundo de Sundog) e os planos de premonição da cascavel, que também podem ser uma interpretação térmica da crescente frustração de Sundog..Usado em conjunto com o programa de monitoramento do Broder Patrol.Momentos tão malucos, principalmente em cenas em que Sundog parece ter cometido crimes graves, nos fazem questionar se estamos realmente assistindo a um documentário ou se estamos mais próximos de um thriller experimental.
Em “A Forma das Coisas no Futuro”, de 77 minutos, Malloy e Sniadecki convidam o público a ler vários significados profundos e perturbadores no título do filme.Pode sugerir o desenvolvimento louco do Sundog, ou a loucura do mundo de metal e plástico que construímos quase herdando a natureza, ou ambos.Nesta situação bastante perturbadora, você pode sentir que Sundog sucumbiria à máquina moderna da empresa, porque a sua raiva compreensível poderia minar a sua capacidade de desfrutar do excelente pequeno santuário, que Ele lutou numa terra de tolerância..
Diretor: Lisa Malloy (Lisa Malloy), JP Sniadecki Lançamento: Grasshopper Movie Tempo de lançamento: 77 minutos Classificação: Indeciso Ano: 2020
Este filme pousará e pousará como uma expressão de confiança irrestrita em nossa humanidade comum.
“Raya e o Último Dragão” de Don Hall e Carlos López Estrada (Raya e o Último Dragão) trazem a Disney e outros eventos recentes de entretenimento da Disney. Por exemplo, Moana é vividamente enriquecido e melhorado.Eles têm mentes maduras, alguns elementos de enredo extensos e estão empenhados em mostrar uma variedade de culturas e avatares asiáticos na tela: The Last Chizong.É claro que, embora a série da Nickelodeon se baseie nas tradições do Leste Asiático, o filme incorpora cuidadosamente elementos dos países do Sudeste Asiático (incluindo Vietnã, Camboja e Laos).
No entanto, na vasta construção mundial e na diversidade estética, Raya e “O Último Dragão” são obviamente uma reminiscência da experiência de assistir ao filme “Guerra nas Estrelas”.A jornada de Raya (Kelly Marie Tran) de terra em terra - do mercado flutuante em Talon ao palácio de mármore da Arca - tem seus próprios rituais, paletas e questões únicas (por exemplo, em Talon, a artista está vestida como uma querida, doce).O roteiro de Adele Lim (o rico louco da Ásia) e do dramaturgo Qui Nguyen, sem sacrificar o ímpeto da lendária história do protagonista, revelou de forma fascinante o mito do mundo de fantasia em constante expansão.
No início do filme, Kumandra é um reino destruído, destruído por ataques violentos entre cinco países isolacionistas e assombrado por Druun, um monstro parecido com a fumaça que transformará milhares de cidadãos em pedra.Seis anos depois que seu pai (Daniel Dae Kim) sofreu esse flagelo, Raya busca reconstruir uma joia mágica quebrada e fazer com que aquele que uma vez salvou Kumandra e exilou Druun) o lendário dragão seja ressuscitado.
Se esse tipo de enredo se desenvolver com a estabilidade e previsibilidade dos videogames (em cada país), Raya ganhará mais uma joia e recrutará membros para seu time sujo de aventureiros, o cenário luxuriante e a evolução de Raya evitarão qualquer sensação de repetição.Crucialmente, Raya tem um problema de confiança: foi sua própria crença falsa na vizinha “nerd do dragão” Gemma Chan (Gemma Chan) quando ela era jovem que levou à destruição da joia e à libertação de Druun.Cada um dos novos companheiros de Raya a força a enfrentar o medo de perder a confiança, e este filme é um bom reflexo dos demônios das meninas no reino geopolítico, e os cinco países se recusam a unificar as ameaças que enfrentam.
Como salvador de Raya, o dragão de água Sisu, Awkwafina oferece uma performance sonora de cena roubada e única, inevitavelmente reminiscente de Robin Williams do Aladdin da Disney.) O bruxo.Contra o pano de fundo sublime do épico de fantasia de alta altitude, Awkwafina fala rápido e é autodepreciativo.Ela está familiarizada com seus papéis de comédia anteriores.Parece que ela é de outro mundo e uma figura contemporânea em uma paisagem fabulosa.Na grande tradição da Disney, há muitos amigos adoráveis em Raya e Last Dragon, como alguns insetos de pílulas e alguns Alan Tudyk de Amadelo., Desempenhando o papel de animal de estimação e de transporte ao mesmo tempo, assim como o capitão Boun (Izaac Wang), uma criança cozinheira e capitão, sua família foi jogada para Druen.
Embora Raya seja uma heroína corajosa e nobre, ela tem uma autoconfiança admirável em sua inteligência e força, mas o choque de Namari ao traí-la deixa um gosto inabalável, que às vezes a faz agir impulsivamente com raiva ou vingança.O fantasma furioso da garota trouxe um certo grau de perigo a essa batalha prolongada, que parecia ir além da tarifa discreta usual da Disney.Através de suas habituais batalhas de artes marciais com Namaari, ou batalhas com armas e combate corpo a corpo, a coreografia feroz mostra que essas duas jovens são mortais e perigosas uma para a outra.Para Raya, a frivolidade refrescante é baseada na turbulência interna congelada da Rainha Arendelle, a Rainha Elsa, pedindo ao público que aceite as imperfeições da heroína, mesmo que às vezes sinta medo na ação.Esses conflitos violentos não são os únicos elementos do filme que permanecem no escuro: quando Raya e Sisu encontram Tong (Benedict Wong) em pé, sozinho em estado de destruição, o olhar de Raya vagueia pelo berço vazio no canto , A perda de iluminação sem uma palavra é muito dolorosa para discutir.
Raya e o último dragão evitam um final mais sombrio e agridoce, para que possam facilmente sair da situação difícil: na cena final, a mortalidade e o desespero sem fundo são facilmente revertidos.No entanto, este público jovem pode não precisar dos filmes da Disney para lhes dizer que, tal como o Druun descrito por Sisu, “a praga decorrente da desarmonia humana” causará danos duradouros.Nos seus próprios termos maravilhosamente descritos, o filme usa o local de aterragem como uma celebração da esperança, mostrando como será uma confiança irrestrita na nossa humanidade comum.
Atores: Kelly Marie Tran, Awkwafina, Jemma Chan, Daniel Dae Kim, Sandra Oh, Ben Benedict Wong, Izaac Wang, Talia Tran, Alan Tudyk, Lucille Soong, Patty · Harrison (Patti Harrison), Ross Butler (Ross Butler) Diretor: Don Hall, Carlos Lopez Estrada (roteirista), Adele Lim Lançamento: Walt Disney Studios Motion Pictures Tempo de lançamento: 107 minutos Classificação: PG Ano: 2021
O filme não conseguiu compreender efetivamente como a experiência de vida e de trabalho de sua protagonista afetou sua vida como pessoa e como artista.
Baseado nas memórias homônimas de Joanna Rakoff, “My Salinger Year”, do escritor e diretor Philippe Falardeau, ambientado na década de 1990, tomou um caminho dilapidado, acompanhando as duas Joanna (Margaret Querley), na adolescência, tentou iniciar a carreira de escritora e esperava que ela se destacasse de seu trabalho atual como secretária da Instituição Literária de Nova York.Seu trabalho é uma ruga que distingue esta adaptação de muitos outros filmes que escritores ambiciosos tentam adaptar nas grandes cidades, porque a chefe de Joanna, Margaret (Sigourney Weaver), representa Com o escritor recluso JD Salinger de O Apanhador no Campo de Centeio, esta jovem percebe o ilusão comum de contato próximo com heróis literários.No entanto, isso também significa que o filme está cheio de referências elegantes a obras e personagens literários quebrados, e essa familiaridade rapidamente se torna medíocre.
O enredo ao longo da história descreve o trabalho de Joanna na agência de fotografia, sua vida pessoal e o enredo de sua luta para se tornar uma escritora, entrelaçados sem entusiasmo, como se você estivesse assistindo a dois filmes diferentes.Embora Joanna seja um dos mistérios mais lendários do mundo literário, Joanna acredita que seu trabalho é apenas um trampolim para sua carreira, e essa ambivalência parece ter desaparecido na narrativa de Falado.
Como “My Salinger Anniversary” não conseguiu compreender efetivamente como sua vida e experiência de trabalho afetaram sua vida como pessoa e como artista, Joanna sentiu-se em branco.Exceto pelo momento em que ela disse que publicou dois poemas, quase não sabíamos nada sobre sua escrita e seu processo.Nesse caso, seu namorado narcisista Don (Douglas Booth) está escrevendo este romance, que tem chamado muita atenção de Falado, o que é um pouco irracional.direção.
Houve pelo menos alguns momentos emocionantes que tornaram meus anos de Salinger ativos, nada mais do que o reconhecimento dos fanáticos pelo centeio entre os vigias.Nas instituições literárias, a tarefa de Joanna é responder às superstições de Salinger com respostas escritas antecipadamente por impessoais décadas atrás.À medida que os fãs olham para a câmera enquanto lêem a carta, o filme conta implicitamente que a marca de uma grande obra atrai todos os tipos de leitores e, ao mesmo tempo, parece ter sido escrita para um único leitor.De acordo com a política da empresa, foi ainda mais assustador quando Joanna cortou em pedaços uma carta de um fã imediatamente após completar sua resposta.
Mas a eloquência inicial sobre esse ângulo transformou-se em falta de jeito, quando Joanna começou a imaginar que determinado fã (Theodore Pellerin) era uma consciência imaginária, e Falado usou esse personagem para expressar múltiplas expressões.O subtexto da cena.O aparecimento desse tipo de enredo na narrativa simples me lembrou inadvertidamente uma história anterior em “My Saling Year”, quando Joanna era uma ladina e respondeu a um apoiador com suas próprias palavras, Carta de.Joanna disse a uma estudante do ensino médio para se inspirar em Holden Caulfield e pensar por si mesma.É difícil não pensar que o próprio filme deveria ter ouvido seus conselhos.
Atores: Margaret Qualley, Sigourney Weaver, Douglas Booth, Brian Obern, Théodore Pellerin), Colm Feore (Colm Feore), Senna Haq (Henza Haq) Diretor: Philippe Falardeau Roteiro: Philippe Falardeau Lançamento: IFC Film Festival Tempo de exibição: Classificação de 101 minutos : Ano R: 2020
A diferença entre o cinema e a notícia comum, e a sua intervenção na realidade, é a diferença de tempo.
Como sabemos pelas comédias pastelão, as moscas na parede podem transformar qualquer cena em um jornal enrolado, os móveis em uma ferraria e um vórtice caótico de policiais especiais caóticos e sedutores.Documentários voando na parede apresentam riscos semelhantes.Considerando como a observação do comportamento necessariamente muda o que é observado, os cineastas devem sempre escolher a objetividade da posição relacionada ao seu tema – se o assunto for político, isso terá consequências complicadas.
Alguns gravadores aceitaram esta contradição e registaram a sua intervenção como parte da realidade que registaram.Por exemplo, Joshua Oppenheimer (Joshua Oppenheimer) no “Killing Act” convidou Os perpetradores de assassinatos em massa na Indonésia em 1965-66 reconstruíram o cruel “heroísmo” diante do submundo.Câmera.Olhando superficialmente, Jill Li, a primeira cineasta, escolheu o método menos prático do “Percurso Perdido”, em que gravou uma cena em Wukan, uma vila de pescadores chinesa na província de Guangdong.Os protestos polacos levaram a uma experiência democrática fracassada.
Na primeira parte do filme “Protesto”, quando os aldeões de Wu reagiram à venda de terras públicas por funcionários governamentais corruptos, organizaram manifestações em grande escala e petições coletivas e foram apoiados por uma greve geral, a câmera de Li caiu na parte mais profunda da ação..Com a ascensão do movimento, o filme centra-se no núcleo de alguns activistas que parecem ter as melhores intenções e estão determinados a servir como instituição estatal de partido único da China.No final, os protestos forçaram o governo a aprovar o pedido dos aldeões para eleições livres, e os líderes do movimento foram levados às pressas para um lugar no comité da aldeia.
A segunda parte “Depois do Protesto” será aberta um ano após a eleição.O novo comitê da aldeia caiu na burocracia e ficou impotente e não conseguiu restaurar as terras em Wukan.Ao mesmo tempo, os governos de alto nível seleccionaram a sua liderança, formando assim uma barreira entre eles e os eleitores.Com o passar dos anos, à medida que os aldeões se resignavam contra o lento e inevitável declínio de Wukan, a sua desilusão foi-se tornando cada vez mais desiludida.
Agora que não há muitos protestos, isso abriu espaço para lanternas vermelhas e brancas de Li brilharem em uma poça de chuva, ou mariposas serem queimadas por zippo em crueldade desesperada para mostrar o ritmo da vida cotidiana e retornar a Wukan.Porém, essas ainda são exceções à regra de que ela não atrapalha a câmera.A regra da câmera apenas apresenta a situação quando a cena ocorre, e o cineasta nunca interveio em sua própria política ou exerceu julgamento sobre os moradores (o que pode explicar a Li a razão de como ter permissão para filmar o filme).Em primeiro lugar).Ao longo do processo, alguém sentiu que estava cultivando a confiança deles.Eles estão acostumados com a existência da câmera e parecem falar diretamente com as pessoas que estão atrás deles e não com o público imaginário, e até correm riscos ao revelar detalhes delicados.
No auge do movimento, outras equipes de filmagem e jornalistas apareceram na periferia, mas quando a poeira baixou, o que sobrou foi a câmera de Li, mergulhando no caos diário dos desfiles e espetáculos eleitorais.A diferença entre o projeto de Li e as notícias comuns é a sua intervenção na realidade, que é uma diferença de tempo.Por sua vez, Robin Li passou seis anos (de 2011 a 2017) lutando para filmar Wukan e, talvez mais importante, as consequências, que parecem irrelevantes, mas é uma dedicação aos filmes incorporados, além de Com seu tempo de execução de três horas, isso dá ao curso a força da perda.
Este filme passou muito tempo não apenas discutindo a luta de Wu Kan como um processo político chinês no nível micro, mas também conduzindo estudos de caráter de pessoas relevantes.Mesmo quando o seu entusiasmo e inocência, mesmo quando desistiram de lutar, condenaram-se mutuamente ou perseguiram cegamente conquistas passadas quando o movimento político estava estagnado, as lentes de Li permaneceram firmemente solidárias.Como sua política só pode ser insinuada por meio dessa simpatia, ela permite que o público aprenda com isso e explique a situação.É comum que os indivíduos sejam políticos, mas o “Caminho Perdido” lembra às pessoas que os políticos também são indivíduos.
Se a série “Bob Esponja Calça Quadrada” finalmente estreou, parece que é o público que mais decepciona o público.
“Quem vai embarcar em outra aventura que me renderá dinheiro?”Já em “Bob Esponja Calça Quadrada Filme: Esponja está Correndo”, foi gritado como o chefe de Krabby Patty, Crabs (Clancy Brown).) Quando eu chorei.Lula Molusco (Rodger Bumpass), o funcionário mais tenso do Sr. Caranguejo, revirou os olhos antes de sair do restaurante de fast food subaquático.Diante de um filme mercenário cínico como este, é difícil não sentir simpatia por Lula Molusco, porque o terceiro longa-metragem baseado na amada série de animação de Nick Layton parece ter como objetivo principal atrair adultos, com estrelas identificáveis aparecendo no relevo live-action., E filmes icônicos.Função náutica.
Quando o fútil Rei Poseidon (Matt Berry) sequestrou o querido caracol marinho de estimação de Bob Esponja (Tom Kenny), Gary (também Kenny), para usar seu muco para cuidar da pele, Bob Esponja e Patrick (Bill) Fagerbakke) decidiram resgatá-lo dos perdidos. cidade de Atlantic City, que é “uma terrível e infame fossa de depravação moral”.Os fãs de Bob Esponja Calça Quadrada saberão o quanto Gary significa para seu dono e, no acampamento de verão, a festa do casal é fofa e séria em retrospecto.No entanto, a “esponja que escapa” às vezes fica inconsciente e incapaz de se concentrar na tarefa.Na Cidade Perdida de Atlantic City, há até um longo período de jogo, onde Bob Esponja Calça Quadrada e Patrick descobrem que nem sempre conseguem se concentrar nisso.
As séries de Bob Esponja sempre gostam de momentos aleatórios, e Sponge on Run também não carece de estranhezas inofensivas, assim como Patrick explicou com uma seriedade ridícula ao se apresentar uma vez: “Meu nome está no Celtics.Significa uma torradeira.Mas essa lógica desajeitada aparece de forma mais eficaz nas características anteriores de Bob Esponja, que são uma coleção de características de personagem fofas e idiossincráticas.Aqui, contar histórias em si é um absurdo.
Uma vez que Snoop Dogg e Keanu Reeves aparecem em uma longa e indefesa sequência de sonho, é uma distração, não uma ilusão;na sequência do sonho, a erva daninha em chamas e o rosto deste estão nela., Desafie Bob Esponja e Patrick a libertar uma equipe carnívora de dança hip-hop.O pirata zumbi do sedã Diablo (Danny Trejo).No entanto, incompreensibilidade não significa falta de propósito, porque as participações de celebridades parecem ser utilizadas para fins de marketing.Kamp Koral, a prequela desta série de TV, está sendo lançado com este filme, e na última meia hora, abandonando uma série de tramas e adotando uma série de planos de volta ao acampamento de verão, isso parece fazer parte de uma aventura lucrativa .
Bob Esponja Calça Quadrada sempre foi a coisa mais estranha e maravilhosa é que permite que as crianças vejam a vida marinha quando adultas de relance.Em contrapartida, “Bob Esponja Calça Quadrada” abandonou os icônicos bolinhos de mau gosto da série e pediu ao público que crescesse se quisesse acompanhar (por exemplo, o festival vulgar menciona “pessoas sonolentas”. Vômitos à noite”).
Poucos Sponge on the Run conseguem encontrar o ponto ideal clássico, vendo as crianças como sendo capazes de entender humor complexo e ao mesmo tempo deixá-las falar sobre farsas estúpidas.A marca narrativa da série em estilo de revezamento às vezes é exibida de forma eficaz aqui, por exemplo, quando Patrick e Bob Esponja veem um vislumbre da cena mudando para a “janela do mesmo tempo” e quando estão discutindo se suas aventuras se tornarão mais .Momento como um filme de amigo ou a jornada de um herói.Contudo, o casal pode ficar desapontado ao saber que a sua busca desarticulada e monótona não seguiu uma estrutura tão satisfatória.Se a série “Bob Esponja Calça Quadrada” finalmente estreou, parece que é o público que mais decepciona o público.
Atores: Tom Kenny, Bill Fagerbakke, Rodger Bumpass, Clancy Brown, Mr. Lawrence, Jill Tully (Jill Talley, Carolyn Lawrence, Matt Berry, Awkwafina, Snoop Dogg, Danny Te Danny Trejo, Tiffany Haddish, Reggie Watts Diretor: Tim Hill Roteiro : Tim Hill Lançamento: Paramount + Tempo de lançamento: 91 minutos Classificação: PG Ano: 2021
Os filmes de Anthony e Joe Russo nunca conseguem escapar do vazio inerente ao papel de Cherry.
Tom Holland apresenta um olhar magro e faminto no início de “Cherry”, de Anthony e Joe Russo, em que vemos os personagens de mesmo nome com um jeito incrível de roubar bancos com metade do patrimônio.O jovem não tinha planos e nada sabia sobre as consequências, em parte porque era viciado em opiáceos.No entanto, como revela o resto da adaptação do amplamente aclamado romance semiautobiográfico de Nico Walker de 2018, a combinação de ignorância e combinação de Lu impulsionou seu desenvolvimento e até se tornou viciado no Iraque.Antes da estrada.Chery disse na narração: “Tenho 23 anos este ano e estendi as partes anteriores e mais ativas do filme, mas ainda não entendo o que as pessoas estão fazendo”.O centro (se houver) simplesmente não acontece.
Após os comentários iniciais, o filme foi encurtado em cinco anos, até 2002, quando Cherry plantou as sementes para sua futura autodestruição.Assim como Holland jogou com charme brilhante, mesmo estando na situação mais devastadora e perdida, a cereja ainda saltou de forma um tanto aleatória em sua vida.Em primeiro lugar, ouvimos muito dele - literalmente, ele estava contando suas falsas tentativas de capturar a vida, enquanto passava um tempo em Cleveland e passava um tempo com amigos sem lugar nenhum e se envolvia em falsos juntos no trabalho.Mais tarde, porque uma série de escolhas erradas restringiu suas escolhas, ele não teria nada a dizer.
No piloto automático da Universidade Jesuíta, Emily (Ciara Bravo), colega de classe de Cherry, sentiu-se muito pesada e mostrou ao público como ela era: um modelo brilhante e bonito de autoconfiança, sua autoconsciência e humor astuto combinavam com os dele.Embora a vida de Emily pareça mais harmoniosa, no final ela ainda está cheia de mistérios no filme, como a própria vida é até a cereja.O relacionamento deles é instável, mas instável.Depois de lutar com Cherry, eles ficaram ainda mais impressionados quando Cherry se juntou ao exército durante o período mais intenso da Guerra do Iraque.Mais impulsivamente, eles se casaram antes de ele partir.
A parte central de Cherry remonta ao serviço militar do nosso protagonista e é a mais convincente.Para um filme de 20 minutos lançado há muito tempo, toda a sequência de treinamento básico parece muito redundante.O absurdo da vida militar mais uma vez destaca a perda de Cherry neste mundo que parece ser apenas uma piada de mau gosto para ele.No Iraque, Russos descreve algumas cenas de ação em grande escala com imagens impressionantes, mas não tem certeza sobre como equilibrar a experiência de Cherry como médico de combate com o trauma emocional causado pelo humor da icterícia.
Nos Estados Unidos, por falta de orientação, a vida de Cherry entrou em colapso rapidamente devido ao transtorno de estresse pós-traumático (TEPT).Ele e Emily ficaram obcecados por heroína, o que no curto prazo levou a peculiaridades como roubo de dinheiro de traficantes, problemas de fluxo de caixa e assalto a banco.Em comparação com as cenas anteriores, a nova vida de crime do casal e os desafios que enfrentam no abuso de drogas e na desintoxicação têm maior imediatismo e drama do que as cenas anteriores, e as cenas anteriores tendem a ser vistas à distância ou mesmo a desenvolvimentos significativos.Mas este filme ainda não consegue escapar do vazio inerente ao papel de Cherry.
Ao vincular a catástrofe da guerra no exterior com a catástrofe do vício em casa e a falta de objetivo de Cherry diante do Iraque, os cineastas parecem sugerir que os Estados Unidos são propensos ao perigo e nada sabem sobre riscos.No entanto, embora este filme envolva muitos temas de teclas de atalho e seja cheio de eventos e senso de humor, seu estilo consciente (da narração diretamente para a câmera, câmera lenta e técnicas visuais, como lavar todo o fundo e fazer com que os personagens apareçam repentinamente em cores vivas - representações simples privam-no da oportunidade de dizer muito. O cineasta toma decisões estranhas e termina com vagas esperanças, mas não há diálogo que ajude a explicar a cereja do bolo em sua vida. As mudanças que podem ocorrer apenas enfatizam sua incapacidade de articular seus papel principal, em vez de se perderem.
Atores: Tom Holland, Ciara Bravo, Jack Reynor, Jeff Wahlberg, Forrest Goodler K (Forrest Goodluck), Michael Gandolfini (Michael Gandolfini), Michael Rispoli (Michael Rispoli), Daniel R. Hill (Daniel R. Hill) Diretores: Anthony Russo , Joe Rose Roteirista: Angela Russo Osto, Jessica Goldberg Lançamento: Apple TV + Showtime: 140 minutos Classificação: R Ano: 2021
Se o mundo fora do Supermercado Veran está cheio de pobreza e crime, então não o compreenderemos a partir deste pequeno casulo.
Para a diretora Tali Yankelevich, é fácil traçar um retrato humilde de uma mercearia brasileira no coração do supermercado My Darling, onde o foco está no desperdício, nos trabalhadores de baixa renda e nos ativistas raciais.Afinal, o Brasil é um país definido pela desigualdade de renda e pela luta de classes.Em vez disso, Yankelevich optou por algo mais interessante, usando uma câmera deslizante, pontuação extravagante e a beleza do algodão doce, fazendo o Supermercado Veran em São Paulo parecer a Galeries Lafayette em Paris.
Não há insatisfação ou injustiça aqui, apenas prateleiras brancas, produtos deliciosos e trabalhadores que adoram trabalhar.Alguns até admitem estabelecer contato com clientes.Outros se orgulham da variedade de pessoas com quem entram em contato todos os dias.A relação entre colegas é do período da faculdade no sonho.Se o mundo exterior estiver cheio de pobreza e crime, então não saberemos disso neste pequeno casulo.
A abordagem fantasiosa de Yankelevich era tão proposital e coerente que o filme nunca pareceu realmente uma propaganda de um país sanitário inexistente.Portanto, o meu Supermercado Querido está mais próximo do devaneio, um retrato de um lugar excessivamente focado, e este lugar ignora alegremente a macro-realidade circundante.Enquanto a câmera de Yankelevich flutua pelo espaço da loja, ela reúne vinhetas de observação e testemunhos de seu empregador, anedotas que muitas vezes tornam Gonzo uma realidade.No processo, a câmera humaniza a força de trabalho normalmente invisível.
Yankelevich não roubou deles histórias deliciosas, mas pediu aos trabalhadores que nos contassem suas paixões, peculiaridades e sonhos.Conhecemos um estivador de armazém obcecado por jogos de construção de cidades e suspeitava que alguém acharia seu local de trabalho digno de atenção cinematográfica.George Orwell foi um profissional histórico, porteiro cantor, teórico da conspiração e teórico da conspiração.Uma amante de anime que fala japonês, um balconista persuadido assombra o supermercado e um segurança que espera que sua câmera de vigilância possa determinar o paradeiro de seu filho.
O mais surpreendente é que embora nunca tenhamos sentido que a câmara passasse tanto tempo com eles, todos os seus problemas existiam.Como se estivessem cheios de todo tipo de contemplação profunda no tédio e no automatismo, isso tornou seu trabalho mais enfadonho e finalmente encontrou um público disposto.Talvez seja esta a motivação interna da forma documental, a câmera atrai estranhos que precisam de ouvintes tardios.A razão pela qual Yankelevich fez justiça não foi por causa de sua justiça própria, mas porque reconheceram a riqueza das coisas com que sonharam e sonharam com eles.
Crise, de Nicholas Jarecki, é um thriller processual projetado para lidar com a corrupção e as falhas que levaram à epidemia de opióides nos Estados Unidos.A estrutura deste filme é a razão de sua existência, que é o principal foco do imaginário de Jarecki, pois o diretor e diretor criaram três enredos que mostram como o vício em opioides é nutrido em diferentes classes da sociedade: Empresários na rua vendem com farmacêuticos obscuros.Para estas universidades, as empresas farmacêuticas fornecem aos professores um elevado financiamento para “marcar verde” as suas pesquisas;entre o Canadá e os Estados Unidos, as agências de aplicação da lei realizam transações com traficantes.A guerra em curso.Ao priorizar o processo do sistema em vez do protagonista, “Crise” convida quase deliberadamente a comparações com qualquer um dos filmes de Steven Soderberg.
A influência dos processos profissionais nas relações interpessoais é a principal obsessão de Soderberg como artista, e tudo, desde seus trabalhos sensacionais até seus experimentos de baixa fidelidade, surgiu.Ele é bom em usar um único sofrimento humano para informar pontos de discussão e procedimentos potencialmente enfadonhos, como os dolorosos close-ups de Benicio del Toro em Traffic, e o perturbador A especificidade clínica e o medo do formato de Kromberg levaram à disseminação de doenças infecciosas.Em contraste, a produção cinematográfica de Jarecki tem uma qualidade estimulante, o que implica que os três pilotos de TV se unem aleatoriamente para provar um ponto óbvio.Jarecki pode não ter certeza se seu tema centrado nos opioides é suficiente para sustentar um filme, então ele recorre aos clichês da vingança criminosa, da mãe vingativa à polícia, ele é honesto demais para este mundo frágil.A crise terminou com um final enfadonho de 30 minutos.
Na atividade de arbitragem, Jarecki habilmente confundiu melodramas com ativistas, usando a sedutora atuação de estrela de cinema de Richard Gere como magnata dos fundos de hedge, tornando-nos atraentes. A disfunção social da força é confundida pelos arquitetos.Martin Scorsese (Martin Scorsese) em “Lobo de Wall Street” (Lobo de Wall Street) intensificou esse truque de atrair o público ao extremo, eles admitiram que a ganância social é nossa própria amplificação, ao mesmo tempo que se ofereceu para tornar o público a diversão de ser capaz de lidar habilmente com o mau comportamento sem quaisquer consequências.
A crise mostrou que Jarecki havia esquecido essa técnica, pois os peões rígidos testavam ou estimulavam estereotipadamente o público, e não os distraíam, exceto por algumas sugestões obrigatórias de que os roteiristas nos bastidores sugeriam que o roteirista marcasse a caixa.Ao lidar com os gangsters canadenses e armênios do fentanil, a determinação do agente secreto da DEA Jack Kelly (Armie Hammer) nunca foi torturada ou censurada, e da viciada Claire (Evangeline Lilly) que está se recuperando Ao investigar a overdose fatal de drogas de seu filho, ele mal piscou.Ser morto.Algumas pessoas pensam que a morte de um filho devido à escolha de drogas pela própria mãe levará a potenciais recaídas e a certos insights ou incidentes que foram investidos de pressão de sobrevivência, mas esta possibilidade apenas foi eliminada.Em vez disso, Jake e Claire são considerados heróis de filmes de ação.
A história mais ambiciosa e possivelmente perturbadora da crise é também a mais ridícula.Taryn Brower (Gary Oldman), um cientista e educador veterano que há muitos anos faz experiências com uma grande empresa farmacêutica (Big Pharma), ficou chocado.Os doadores podem querer algo em troca, isto é, aprovar uma droga fictícia, supostamente não viciante, que pode ser mais letal do que drogas letais.Oxicam.Levando em conta a experiência profissional do personagem, a ingenuidade de Tyrone, interpretado histericamente por Alderman, parece ridícula, e Jarecki desperdiçou aqui as melhores ideias do filme.
Quando Tyrone ameaçou informar o informante, universidades e empresas farmacêuticas desenterraram uma antiga reputação de assédio sexual, o que o tornou notório, embora o impacto emocional desta ameaça e a hipocrisia de Tyrone como pessoa considerada a verdade nunca tenham sido descobertos.Na verdade, o cineasta ficou tão surpreso com a vida interior de seus diversos personagens que até ignorou a influência do famoso casamento de Tyrone em seu casamento.A crise mudou repetidamente o elemento humano da história, por outras palavras, o drama, em troca de estatísticas sobre drogas que podem ser pesquisadas pelo Google em poucos segundos.
Atores: Gary Oldman, Arme Hammer, Evangeline Lilly, Greg Kinnear, Kid Cudy (Kid Cudi), Luke Evans, Michelle Rodriguez, Indira Vama (Lily-Rose Depp), Mia Kirchner (Mia Kirshner, Michael Aronov, Adam Suckman, Veronica Ferres , Nicholas Jarecki, Daniel Jun ), Martin Donovan Diretor: Nicholas Jarecki Roteiro: Nicholas Jarecki Lançamento: Quiver Tempo de lançamento: 118 minutos Classificação: R Ano: 2021
Os cookies necessários são absolutamente essenciais para o funcionamento normal do site.Esta categoria contém apenas cookies que garantem as funções básicas e recursos de segurança do site.Estes cookies não armazenam nenhuma informação pessoal.
Quaisquer cookies que possam não ser particularmente necessários para o funcionamento do site e sejam especificamente utilizados para recolher dados pessoais do utilizador através de análises, publicidade e outros conteúdos incorporados são denominados cookies desnecessários.Você deve obter o consentimento do usuário antes de executar esses cookies no seu site.
Horário da postagem: 02/03/2021